從空洞的「音樂國際化」到具體的「音樂出口」

重新檢視台灣音樂市場的現實,讓口號成為具體的行動方針。

從空洞的「音樂國際化」到具體的「音樂出口」
Photo by Midjourney.
💡
《22 世紀衛星》是沒有廣告與業配、完全由讀者支持運作的音樂產業媒體。你可以免費訂閱以接收每週的讀者通訊,或付費取得更多專屬內容及參加 Discord 社群等權利。

上週一,顏社創辦人迪拉胖在臉書上寫道

國際化的童話。
 
我猜侯孝賢和王家衛一開始拍自己的片,也沒有想什麼國際化,他們想的就是要用有限的資源拍出自己的片。
 
看過坂本龍一的自傳和一些訪問,YMO 一開始想的也不是國際化,想做的是超帥的音樂,他們從學運左派養分迸發的現代「流行」音樂,後來成為代表神秘東洋的聲音。
 
從官到產,音樂圈突然都心心念念著讓市場國際化,各種流行音樂論壇言必稱 K-Pop 模式,詠嘆九零華流兵馬俑風華,從頂流到獨立,這一兩年的新專輯都想著國際化,然後我們就聽到許多徒具形式匠氣十足的悲傷唱片一張張被做出來……
 
國際化成為國際扁平化。

這段話引發不少迴響。有人認為目前有些台灣音樂只是徒有國際化模板的空殼;也有人認為音樂做出個性,自然會被國際看見

「國際化」的迷思

我不清楚有哪些新專輯「都想著國際化」,或哪些音樂是套國際化的模板做出來的,然而奇怪的是大家似乎對此有著心照不宣的默契。我認為如果真有這個現象,大可以直接點名哪些專輯、他們的創作手法與概念為何、採用何種國際化的模板、美學與商業的成效分別如何。隱晦籠統的暗示很難讓討論往下延伸,只能加深某些刻板印象,最後大家都因為缺乏具體的討論標的而似懂非懂。

如果你有想到這種「想著國際化」的案例,歡迎到最下面 👇 一起留言討論。

另一方面,我也不覺得音樂做得好或有個性,就一定會被人看見。舉例來說,每年金音創作獎的電音與爵士入圍專輯,在 Spotify 上的聆聽次數連搖滾和嘻哈的 1% 都不到;相對地,流行與偶像等在形式和內容上普遍有公式可循的音樂,卻能屢創排行紀錄。稍微想一下,你可以發現這類反例俯拾即是。想著國際化不見得會讓音樂變難聽或乏人問津,不想著國際化也不一定就是加分。

💡
上方圖表中,我們列出所有入圍 2022 年金音創作獎類型專輯的作品並計算其 Spotify 每日平均聆聽數。計算方式為:

專輯所有曲目聆聽數合計 ÷ 專輯發行日至 2023 年 4 月 11 日之天數

可以看出同樣是入圍金音創作獎,不同類型的音樂產值天差地遠,證明音樂品質不必然反映出商業成就。

「好聲音不寂寞」、「好內容自帶流量」都是心靈雞湯式的幹話,若它們說的是事實,天底下不會存在任何行銷與業務人員,不會有人認為自己懷才不遇,所有企業可以直接裁撤商務開發部門。

一項事物是否受人歡迎,品質好壞只是多種決定因素之一,甚至何謂好壞也不總是有一致的標準。一道我嚐起來平凡無奇的菜餚,可能因為便宜、帶有家鄉味、擺盤美觀,而讓你願意買單。如果不管其他因素,只論有沒有想著國際化,那麼侯孝賢、王家衛、坂本龍一只是特例,更多的是你我早已遺忘、沒有留下可觀成績的創作人。

反過來想,如果一張專輯匠氣十足,但能靠著精巧的商業操作而為台灣搏得正面的國際聲量、甚至賺進大量外匯,那應該是件可喜之事。音樂品質與商業成就的關係向來就不是高度正相關或負相關。網路上常見到歌迷對商業嗤之以鼻,卻不知道內容以外的事都與商業有關,舉凡社群媒體上的宣傳貼文到表演場館、售票系統和串流平台的營運,中間都少不了金錢流動。正因為音樂這一行業有利可圖,才會有人花錢投資產業的軟硬體,讓你可以隨時上網聽音樂、買門票、享受舒適的娛樂聲光體驗。我們需要商業上成功(但不見得美學上成功)的音樂讓產業成長,也需要美學上成功(但不見得商業上成功)的音樂來創造多元的環境和消費選擇,兩者並不衝突。

迪拉應該不是真的反對國際化,要不然顏社就不會在 Bandcamp 上架專輯。他可能只是觀察到某些新進音樂人過度追逐潮流、缺乏經過自己反芻的思考與美學脈絡,結果不小心紮了一個國際化的稻草人。

This post is for subscribers only

Already have an account? Sign in.

Subscribe to 22世紀衛星

Don’t miss out on the latest issues. Sign up now to get access to the library of members-only issues.
jamie@example.com
Subscribe